Resumen de la lección para el primer trimestre de 7. ° grado
según el programa editado por B.M. Nemensky
Tema del año: "Bellas artes en la vida humana"
Objetivo: Formar posiciones ideológicas sobre el papel del arte en la vida humana.
Tema del trimestre: Imagen de una figura humana y una imagen de una persona.
Objetivo: Criar una personalidad capaz de apreciar la belleza de una persona, su el mundo espiritual
Tema de la lección: "La representación de la figura humana en la historia del arte"
El propósito de la lección: Formación de la competencia cultural y crítica de arte en la determinación de la imagen canónica de una figura humana.
Objetivos de la lección:
Educación de una actitud estética hacia el hombre como corona de la naturaleza.
Desarrollo de la capacidad de percibir la belleza de una figura humana en el aspecto histórico.
Formación de una idea de la belleza de una persona, expresada en los cánones de las culturas antiguas.
familiarizarse con las diferencias en los cánones de la representación de la figura humana en las culturas del dr. Egipto, Dr. Grecia y Roma;
familiarizarse con las etapas del dibujo de una figura humana según el canon del Dr. Egipto
conocer el concepto de "canon" en la representación de una figura humana;
conocer las diferencias en los cánones de representar la figura humana en las culturas dr. Egipto, Dr. Grecia y Roma;
conocer las etapas del dibujo de una figura humana según el canon del dr. Egipto
- ser capaz de dibujar una figura humana en etapas según los cánones del antiguo Egipto;Posesión de introspección de dibujar una figura humana.
Alcance visual: ilustraciones y reproducciones de obras de arte de diversos géneros y períodos que representan una figura humana: "Venus paleológica", Relieves e inscripciones del Antiguo Egipto; Miron "Discobolus"; Antigua Grecia. Estatua del primer emperador romano Octavio; Miguel Ángel "David"; Giorgione "Judith"; A.A. Plastov. "Primavera", etc.
Serie literaria: poema sobre la belleza (de sitios de Internet).
Equipo para estudiantes: álbum, material gráfico (opcional).
Decoración del tablero: ilustraciones y reproducciones de obras de arte de diversos géneros y períodos que representan una figura humana.
Componentes estructurales de la lección.
Atar: 5 minutos
Clímax: 2 minutos
Intercambio: 30 minutos
Epílogo: 5 minutos
Epílogo: 3 minutos
Durante las clases
El problema es ¿qué? ¿Cuál es la belleza de una persona y cómo se retrató esta belleza en las culturas antiguas?
La corbata. La salida a los problemas de la lección se realiza creando una situación de inspiración. Se utilizan métodos de asimilación artística, descubrimiento paso a paso, actualización del conocimiento existente de los estudiantes.
Después de dar la lección, saludar al maestro, siento a los niños en sus escritorios y les llamo la atención sobre el contenido problemático de la lección. Para ello, paso a paso en la pizarra, presento ilustraciones y reproducciones de obras de arte de diversos géneros y épocas con la imagen de una figura humana, acompañadas de un poema sobre la belleza.
Sí, belleza - y solo belleza -
Nos salva de una muerte vergonzosa ...
Ella sola se mantuvo rebelde
¡Para ti, la vanidad ciega de todos los días!
Ni sentimientos de mezquindad, ni pensamientos de pobreza, -
Nada la oscurece, milagroso;
No, ni el veneno de la mentira, ni la negra calumnia
¡No se puede empañar! Ella es siempre pura.
Ya sea en la naturaleza, en la vida, en una idea inspiradora.
Creador-artista - en todas partes un sueño sobre ella:
En todo ella arde con el fuego del amor imperecedero.
Bajo la pesada carga de su destino de la cruz -
Estoy arrodillado ante ella.
¡Oh belleza! ¡Santa Belleza! ...
- “Chicos, ante ustedes están las fotografías de figuras humanas. ¿Los encuentras hermosos? Y si es así, ¿con qué criterio? "
Respuestas de los niños: ...
¿Se ha representado siempre la figura humana de esta forma?
Respuesta: no siempre.
¿Quién puede recordar cómo se representaban las figuras humanas en la antigüedad? ¿Crees que son hermosos?
Respuestas de los niños ...
Ahora dime, ¿cuál es el problema con la lección? ¿Cuál era la belleza del hombre y cómo se retrató esta belleza en la antigüedad?
Clímax: Salir sobre el tema de la lección, se utilizan métodos: actualización de la experiencia cultural e histórica de los niños, diálogo, método de descubrimientos paso a paso, conexión del arte con la vida, método de imitación visual.
". Por lo tanto, el tema de la lección suena ... ..
Tema de la lección: La representación de la figura humana en la historia del arte.
Maestro:
El dibujo es el medio más importante para estudiar y mostrar la realidad, el principio fundamental de todas las artes visuales realistas. En un dibujo, un artista puede expresar toda su visión del mundo: objetiva, humana, divina.
- El hombre siempre ha sido y sigue siendo el tema principal del arte. Las ideas sobre la belleza del hombre, sobre su actitud hacia Dios, sobre lo más esencial en su apariencia y sus acciones han cambiado en la historia del arte.
¡Veamos cómo!
LLAMAMIENTO A LA GAMA VISUAL MULTIMEDIA.
(que muestra imágenes de figuras de diferentes civilizaciones)
Las imágenes femeninas del Paleolítico representan un cierto grupo de las llamadas "Venus", aunque su anatomía está lejos de los estándares de esbeltez. Sus imágenes talladas o esculpidas se caracterizan por grandes senos y glúteos, lo que hace que la cabeza, los brazos y las piernas parezcan pequeños y delgados en comparación.
"Venus de Willendorf" (Viena, Museo de Historia Natural). "Venus-era del Paleolítico fueron llamados" gordos "(" vientres ") por las características morfológicas de sus glúteos. La fertilidad y simboliza la función reproductora de una mujer
"Venus Losselskaya", también llamada la Dama del Cuerno ", un bajorrelieve sobre una roca caliza (tamaño - 42 cm), conservado en el Museo de Aquitania (Burdeos, Francia).
Está representada en el plano frontal y de una manera típica de "Venus": con un resaltado volumétrico de la parte del cuerpo de la cadera. En su mano levantada hacia arriba y hacia un lado, la mujer sostiene un cuerno. Su cabeza está vuelta hacia el cuerno y su cabello cae en lado opuesto... La otra mano descansa sobre el estómago y se dirige hacia el pubis. La presencia de un cuerno confirma la idea de que esta "venus" es un símbolo de fertilidad. Los cuernos, cuyas imágenes fragmentarias indican la presencia de un animal, como garantía de una abundancia de alimentos, tienen aquí un significado específico. El cuerpo del cuerpo está claramente dibujado con una imagen clara de grandes alimentos caídos, un abdomen abultado y piernas reducidas al máximo, similar a algunas adiciones vagas.
A pesar de la posición frontal del cuerpo, el perfil de la cabeza, desprovisto de rasgos faciales, un signo que indica la ausencia de una característica individual, le da a la figura una cierta apariencia de movimiento.
Probablemente ya hayas visto algo de esto, pero algo es nuevo para ti.
(regrese a la diapositiva requerida).
GENERALIZACIÓN DEL PROFESOR:
Arte el mundo antiguo fue construido y mantenido en ciertos cánones.
Canon - un conjunto de reglas y leyes que se suponía que debía seguir el artista al construir un dibujo.
Egipto - El arte en el antiguo Egipto se asignó extraordinariamente papel importante: se convertiría en un puente entre lo transitorio y lo eterno. En otras palabras, una obra de arte debe convertirse en un neter, un lugar de encuentro de lo divino y lo terrenal. Existe la opinión de que la escultura, los relieves y los frescos no representaban un retrato de una persona, sino su Ka, la parte más alta e invisible de una persona, uno de cuyos aspectos es la imagen ideal. El arte egipcio antiguo excluía la animación y perpetuación de la vejez, la enfermedad, la muerte y la imperfección del mundo, transmitiendo solo la apariencia verdadera y perfecta de un objeto, una persona, el universo. Ka, como doble del hombre que vive en el mundo invisible, fue responsable de él ante los dioses.
Los maestros egipcios no simplemente reprodujeron la apariencia que percibe el ojo físico, sino que reprodujeron lo que sus ojos espirituales dejaron en claro sobre la naturaleza del hombre y el universo.
La forma de la cabeza se ve mejor de perfil, que es como se muestra. Pero siempre vemos mentalmente el ojo de frente. En consecuencia, el perfil de la cara se complementa con la imagen del ojo de frente. La parte superior del cuerpo, los hombros y el pecho se perciben mejor desde la posición frontal, ya que así es como se ven las articulaciones de los brazos y el cuerpo. Pero las manos y los pies están bien delineados solo cuando se ven de lado. Todo esto explica por qué las figuras de las personas en el arte egipcio se ven tan extrañamente planas y retorcidas. Además, era difícil para los artistas egipcios visualizar ambos pies desde la misma posición. Preferían un contorno claro, delineando el dedo gordo y el empeine. Así que ambos pies estaban representados en un lado interior, como si una persona, como en este relieve, tuviera dos piernas izquierdas. Esto no significa que los egipcios pensaran que los seres humanos tuvieran esta apariencia. Simplemente siguieron un método que permitió capturar todo lo que parecía significativo en la figura humana. Aparentemente, el rigor de las prescripciones formales está relacionado de alguna manera con las funciones mágicas de las imágenes. De lo contrario, ¿cómo podría una persona con una mano “cortada” o “cortada” aceptar y llevar regalos a los muertos?
En escultura, todas las figuras sentadas tienen las manos en las rodillas; Los cuerpos masculinos se tiñeron más oscuros que los cuerpos femeninos.
Grecia - En el mundo griego, todo es claro y sencillo para las personas. En consecuencia, en el modelo griego del mundo, el espacio, a pesar de su majestuosidad, era comprensible y accesible. Los dioses en tal modelo del mundo eran, aunque seres superiores, pero bastante accesibles para la comunicación. Además, los dioses incluso tenían debilidades comprensibles para los humanos. El hombre estaba seguro de que era similar a los dioses, y la idea de la libre posesión del espacio y el tiempo estaba asociada a esto. Por eso floreció en la antigua Grecia diferentes tipos artes, incluidas las espaciales: arquitectura, escultura, pintura de vasijas. El hombre se idealizó a sí mismo.
El arte antiguo de Grecia y Roma muestra la belleza de una persona físicamente perfecta. La imagen de un joven atleta encarna las características de lo bello y armonioso. persona desarrollada, en el que la belleza de un cuerpo entrenado físicamente se combina con la pureza moral y la nobleza espiritual. Con un enérgico y poderoso movimiento de su hombro izquierdo hacia adelante, se preparó para el lanzamiento de disco. Al mismo tiempo, experimenta una colosal actividad física, pero exteriormente permanece tranquilo y comedido. Parece que al escultor le interesa no tanto el esfuerzo físico del deportista como su decidida concentración y fortaleza mental.
La estatua de Octavio Augusto fue realizada por un escultor romano en el 27 a. C.
El tonto y enfermizo primer emperador romano, Octavio, es retratado como un atlético, "hombre divino". El escultor logró plasmar el peculiar tipo de rostro y peinado característico del emperador, enfatizar su determinación y determinación.
El "David" de Miguel Ángel es un joven majestuoso y hermoso, lleno de valor, determinación y nobleza ilimitados. Está tranquilo, pero se puede sentir su disposición a hacer todo lo posible para luchar contra el mal, por la victoria de la justicia. Este es un verdadero monumento a una personalidad heroica, a una persona que es espiritual y físicamente perfecta. Miguel Ángel esculpe su escultura en mármol. Un gran bloque de piedra tenía defectos, tenía grietas y nadie creía que se pudiera hacer algo a partir de la masa. Pero el artista se puso manos a la obra, pensó detenidamente la futura imagen plástica y fue capaz de "extraer" del monolito de mármol una gran imagen que no se desvanecía.
Miguel Ángel "El Juicio Final". Se está produciendo una catástrofe mundial ante nuestros ojos. Las personas son capturadas por las noticias angelicales de la llegada del Juicio Final en medio de sus actividades diarias. Pero la Providencia es inexorable: por la derecha, los pecadores son arrojados al infierno por una avalancha, los ángeles los empujan, los demonios los arrastran con ellos. A la izquierda, los justos ascienden al paraíso. El Jesús musculoso es despiadado e inflexible en su ira, que se parece más al antiguo dios del trueno, encarnando la retribución. Solo la Madre de Dios se inclinó tristemente, simpatizando con el sufrimiento de las personas, pero sin tener derecho a ayudarlas.
San Bartolomé está sentado en una piedra junto al manantial. Sus ojos brillan con una fiera amenaza. En su mano, el santo sostiene su propia piel, que una vez le fue arrebatada por los oponentes del cristianismo. En esta piel, Miguel Ángel representó su rostro, distorsionado por un sufrimiento increíble. El artista enfatiza que él mismo, aquí y ahora, sufre nada menos que los pecadores en el Juicio Final. La belleza de Miguel Ángel está impregnada de sufrimiento y compasión.
Giorgione "Judith".Escrito en los primeros añosXvisiglo, "Judith" afirma el ideal del Alto Renacimiento, que encontró expresión en el cuadro a través de la emancipación interior de la composición, la regularidad de las formas pictóricas, la belleza y el refinamiento de la imagen femenina, la melodía de las combinaciones lineales y coloridas.
“Ella es hermosa e inusual - Judith Giorgione, escribe el crítico de arte A. Varshavsky. _ La bella Judith se ofreció voluntaria para liberar a su ciudad natal del formidable peligro que se cernía sobre ella. Con la cabeza del líder de las tropas enemigas, Holofernes, regresa a la casa de su padre. Los enemigos temblaron cuando la cabeza de Holofernes quede expuesta en la muralla de la ciudad, y siempre elogiarán la hazaña de una hermosa viuda joven, su autosacrificio, su destreza exitosa, conciudadanos, aquellos a quienes salvó de un yugo extranjero, tal vez. desde la muerte.
… Se acabo. Todo ha pasado ya. Y mira pensativo la cabeza cortada de la comandante enemiga Judith ". Esta imagen espiritualizada lo contiene todo: ternura y dignidad, mansedumbre y pesar, fuerza interior y encanto.
Intercambio : acceso a la co-creación de alumnos y profesores en la actividad visual, se utilizan métodos: imitación visual, comparación analítica de la muestra y el dibujo representado.
Criterios para evaluar el dibujo educativo:
observancia del canon egipcio en el dibujo (grado de conformidad);
integridad del dibujo terminado.
la presencia de elementos introducidos presentes en la cultura del dr. Egipto
Hemos considerado contigo los cánones básicos de la imagen de una persona. Te sugiero que aprendas a dibujar un egipcio conmigo (usando dibujos pedagógicos en la pizarra).
El maestro en la pizarra muestra las principales etapas de la representación de una figura humana según los cánones del antiguo Egipto. Durante el trabajo, el maestro brinda toda la asistencia posible a los estudiantes.
Epílogo: exposición y análisis de obra gráfica infantil. Se utilizan métodos: estimulación de declaraciones individuales, adecuada autoestima,
PREGUNTA: Mirando su trabajo, ¿qué piensa, cuál de ustedes pudo acercarse más al canon egipcio?
Criterios para evaluar las actividades del niño en la lección:
la actividad del niño al discutir el problema;
actitud hacia las actividades educativas y creativas;
habilidad;
calidad de los productos infantiles.
Generalización y conclusión sobre la conducción y dominio del tema en la lección.
Epílogo: tarea:
Encuentra reproducciones de imágenes de figuras humanas dr. Grecia y Roma y compare la imagen con el griego antiguo.
La persona en el arte sigue siendo el tema principal. Los pintores y escultores transmiten diversas imágenes de una persona. Un retrato de una persona es un reflejo del mundo interior, el estado de ánimo de un individuo. Sin embargo, con el tiempo, las personas cambian, lo que significa que el arte de representar a una persona también cambia.
Escultura del siglo VI a principios del siglo V a.C. Escultura del siglo VI a principios del siglo V a.C. En la era Antigua Grecia los maestros escultores representaban con mayor frecuencia a atletas jóvenes con las manos presionadas contra el cuerpo y las piernas extendidas hacia adelante. Los escultores griegos tomaron prestado mucho del Antiguo Egipto, las esculturas griegas se crearon de acuerdo con los cánones egipcios, lo que tuvo un gran impacto en el desarrollo del arte en la Antigua Grecia.
Escultura de la primera mitad del siglo V. ANTES DE CRISTO. Escultura de la primera mitad del siglo V. ANTES DE CRISTO. En este momento, los maestros retrataron a los atletas: ganadores. Juegos olímpicos... A los grandes escultores se les confió la glorificación de la imagen heroica de un ciudadano valiente y fuerte como un defensor confiable de la antigua ciudad-polis griega.
Pitágoras, estatua de Jacinto, siglo V A.C. El héroe Hyacinth, el favorito de Apolo, fue asesinado accidentalmente por el dios del sol que arrojó un disco durante una competencia de gimnasia. Una hermosa flor brotó de las gotas de su sangre, y Pitágoras intentó transmitir cierta acción en su escultura: héroe joven mirando el disco volador.
Pitágoras, estatua de Kifared, siglo V A.C. La estatua demuestra la capacidad del autor para superar la llanura y frontalidad de la escultura arcaica en una imagen tridimensional de un músico sentado. La figura se distingue por el laconismo monumental de las formas y la originalidad por la construcción compositiva cerrada.
Myron, estatua del Discobolus, siglo V A.C. Myron es uno de los mejores maestros de la Antigua Grecia. El escultor ateniense fue distinguido regalo asombroso transferencia de la belleza humana. Su estatua del Discobolus llama la atención por su grandeza. La imagen de la bola de discoteca parece natural y real. Myron es el primer escultor de la antigüedad en representar a una persona en movimiento.
Polycletus, estatua de Doryphoros, siglo V A.C. El segundo escultor más grande fue Polycletus. Fue Policleto en el período clásico quien encarnó la imagen de un ciudadano bello y valiente de la polis. En sus estatuas, el maestro trató de transmitir proporciones perfectas. cuerpo humano basado en cálculos matemáticos.
Polycletus, estatua de Doryphoros, siglo V A.C. El maestro transmitió muy sutilmente la plasticidad de un cuerpo musculoso sano. La persona se muestra lista para la acción, brilla con vitalidad. El joven se pone de pie como si todo el peso del cuerpo se dirigiera a una pierna, y la otra ligeramente doblada, como en un paso mesurado. La cabeza inclinada y girada hacia el hombro derecho crea la impresión de una reflexión relajada. La belleza del cuerpo humano se revela en la proporción de piernas elásticas y volúmenes poderosos del pecho y los hombros.
Praxiteles, estatua de Afrodita de Cnidus, siglo V A.C. Uno de los escultores interesantes de la Antigua Grecia es Praxiteles. Este escultor realizó una obra en mármol, es gracias a esto que creó hábilmente un suave juego de luces y sombras en sus obras. Su escultura Afrodita de Cnido gozó de gran fama. La estatua se distingue por la nobleza, la gracia, la gracia apasionada y al mismo tiempo virgen. Fue en ella que Praxitel fue el primero en representar toda la belleza Cuerpo de mujer
Lisipo, estatua de Hércules luchando contra un león, siglo V A.C. La obra del escultor Lisipo también es única. Lisipo se esforzó por crear la imagen de una persona ideal. De todas sus obras, la más llamativa es la escultura de Hércules con un león. Aquí, la belleza del cuerpo humano se transmite a través de la tensión muscular. El león está representado en dinámica, la pose de un león jadeante es inestable y el hombre, por el contrario, se sostiene con firmeza y confianza, demostrando abiertamente la belleza y la fuerza de su cuerpo ideal.
Imagen de una persona en la cultura antigua de Egipto. La imagen de una persona en el arte de la antigua Grecia: la belleza y perfección del diseño del cuerpo humano ideal.
Pintores y escultores transmiten su actitud al mundo a través de imágenes específicas. Representando a una persona, el maestro nos muestra sus ideas sobre la belleza. Sin embargo, estas ideas han cambiado con el tiempo, y la confirmación de esto son los monumentos antiguos del arte.
Con el tiempo, las personas cambian, lo que significa que el arte de representar a una persona también cambia. Veamos cómo se retrató a una persona en la era de la Antigua Grecia.
Escultura del siglo VI a principios del siglo V antes de Cristo NS.
Si miramos las ilustraciones que representan esculturas de la era de la Antigua Grecia, notaremos que los maestros representaban con mayor frecuencia a jóvenes atletas con las manos presionadas contra el cuerpo y las piernas extendidas hacia adelante. La pose elegida no fue accidental. Los escultores griegos, al crear sus obras de arte, tomaron prestado mucho del Antiguo Egipto. Entonces. esta imagen era totalmente coherente con los cánones escultóricos egipcios, que tuvieron un gran impacto en el desarrollo del arte griego. Un canon es un conjunto de reglas que rigen el arte de un determinado período o dirección, así como una determinada obra que sirve de modelo. Se cree que el canon es "la ley y medida de la belleza".
En los siglos VI-V. antes de Cristo NS. Los maestros griegos también recurrieron a otro tipo de escultura, que se llamó "corteza", es decir, "niña". Las diosas representadas en la era arcaica se asemejan a bellezas mortales, sus figuras están impregnadas de feminidad y lirismo.
Escultura de la primera mitad del siglo V. a p. e.
En este momento, los maestros generalmente representaban a los atletas, ganadores de los Juegos Olímpicos. Fue este tema el que siguió siendo líder en el arte de los plásticos a lo largo del siglo. Una pequeña figura de bronce de un joven preparándose para saltar es un ejemplo de escultura iniciada en el siglo V. antes de Cristo NS. A los grandes escultores se les confió la glorificación de la imagen heroica de un ciudadano valiente y fuerte como un defensor confiable de la antigua ciudad griega: la polis.
Escultura de Myron
Uno de los mejores maestros de la Antigua Grecia es Myron. El escultor ateniense se destacó por su asombroso don de transmitir la belleza humana. Su obra más famosa, "Discobolus", llama la atención por su grandeza.
Presta atención. cómo el maestro describió la apariencia de una persona. La imagen de una bola de discoteca parece natural, real. Myron es el primer escultor de la antigüedad en representar a una persona en movimiento.
Otras obras de Myron incluyen el grupo escultórico "Athena y Marsyas"
Escultura de Polycletus
El segundo escultor más grande del siglo V. antes de Cristo NS. fue el destacado escultor Policleto. El tema principal de su trabajo fue también un hombre, un atleta ganador. Fue Policleto en el período clásico quien encarnó la imagen de un ciudadano hermoso y valiente de la polis, lo que preocupó a los escultores de la antigüedad. En sus estatuas, Polycletus trató de transmitir las proporciones perfectas del cuerpo humano, basándose en cálculos matemáticos. Los antiguos atribuyeron al escultor una obra célebre llamada "Canon". Polycletus estaba construyendo un sistema estrictamente pensado
proporciones de todas las partes de la estatua. Se considera que una de las estatuas más famosas de esa época es su "Dorifor", un joven que lleva una lanza.
Eche un vistazo a esta estatua: cuán sutilmente representa el plástico de un cuerpo musculoso sano. La persona se muestra lista para la acción, brilla con vitalidad. El joven se pone de pie como si todo el peso del cuerpo se dirigiera a una pierna, y la otra ligeramente doblada, como en un paso mesurado. La cabeza inclinada y girada hacia el hombro derecho crea la impresión de una pensativa relajada. La belleza del cuerpo humano se revela en la proporción de piernas elásticas y volúmenes poderosos del pecho y los hombros. En la antigüedad, el mismo "Dorifor" a veces se llamaba "el canon de Polycletus", creyendo que el maestro creó la estatua para que otros artistas la usaran. Para como modelo.
Escultura Fidias
Cicerón sobre Fidias: “Cuando creó a Atenea y Zeus, no había ningún original terrenal frente a él que pudiera usar. Pero en su alma vivía ese prototipo de belleza, que encarnaba en la materia. No en vano dicen de Fidias que trabajó en un estallido de inspiración, que eleva el espíritu por encima de todo lo terrenal, en el que el espíritu divino es directamente visible, este huésped celestial, en palabras de Platón ”,
Un destacado representante de la escultura griega antigua del siglo V. antes de Cristo NS. es Fidias, el gran maestro de los clásicos maduros. Bajo su dirección, se llevó a cabo la decoración del Partenón, el edificio central de la Acrópolis de Atenas. En el interior del templo se encontraba la famosa escultura de la Virgen Atenea, creada por Fidias con oro y marfil. La segunda escultura de Atenea estaba frente al santuario y estaba hecha de bronce. Estas obras son sorprendentes por su naturalidad.
Escultura de Praxiteles
Este escultor realizó una obra en mármol, gracias a la cual creó hábilmente un suave juego de claroscuro en sus imágenes. Eche un vistazo a su estatua "Afrodita de Cnidus" (Fig. 3). Este trabajo gozó de gran éxito. La estatua se distingue por la nobleza, la gracia, la gracia apasionada y al mismo tiempo virgen. Fue en ella que Praxitel fue el primero en representar toda la belleza del cuerpo femenino.
Creatividad JIucunna
Las creaciones de este maestro también son interesantes. Lisipo se esforzó por crear la imagen de una persona ideal. Es notable su estatua de "Apoxiomenos", un atleta que limpia el cuerpo con un raspador. La escultura tiene una estructura bastante compleja, refleja todas las leyes de la proporción.
Un grupo de esculturas que representan las hazañas de Hércules llama la atención por su belleza. El más famoso de ellos es "Hércules luchando contra el león". La belleza del cuerpo humano se transmite a través de la tensión muscular. Los oponentes están representados en dinámica, la pose de un león jadeante es inestable y una persona, por el contrario, se sostiene con firmeza y confianza, demostrando abiertamente la belleza y la fuerza de su cuerpo ideal.
Por lo tanto, el arte antiguo tenía como objetivo mostrar al espectador la belleza de una persona físicamente perfecta.
El propósito de la lección:
1. Familiarizar a los estudiantes con el proceso del trabajo del artista sobre la imagen de una persona.
2. Desarrollar las habilidades para dominar la técnica del dibujo.
3. Fomentar la motivación para las actividades de aprendizaje
4. Aprende a dibujar con lápiz.
Descargar:
Avance:
TEMA: "IMAGEN DE UNA FIGURA HUMANA Y LA IMAGEN DE UN HUMANO EN LA HISTORIA DEL ARTE"
Metas:
- familiarizar a los estudiantes con el proceso del trabajo del artista sobre la imagen de una persona;
- desarrollar habilidades para dominar la técnica del dibujo;
- fomentar la motivación para las actividades de aprendizaje;
- enseñar a dibujar con un lápiz.
- Enseñar a representar las proporciones de una persona desde la naturaleza y por representación.
Equipo: ayudas visuales: 1) “Grandes artistas. Leonardo Da Vinci "2)" Grandes artistas. Miguel Ángel "3) esquema1, esquema2
Plan de estudios.
- Dibujo de conversación, sobre los cánones de la imagen de una persona.
- Declaración de la tarea artística.
- Una muestra de un dibujo pedagógico.
- Implementación práctica.
- Resumiendo.
Durante las clases.
I. Momento organizacional.
Comprobando la preparación para la lección.
II. Mensaje del tema de la lección. Información general sobre la imagen.
Dibujo - el medio más importante para estudiar y reflejar la realidad, el principio fundamental de todas las artes visuales realistas. El dominio del dibujo es necesario para artistas de todas las especialidades: artistas gráficos, pintores, escultores, arquitectos y decoradores. Es necesario para un ingeniero, un geógrafo y un médico. Hoy, en la lección, comenzará a comprender la técnica del dibujo, nos familiarizaremos con las reglas para construir una cara y un cuerpo humano.
III. Aprendiendo material nuevo.
La imagen del hombre de sí mismo en forma de pinturas rupestres esquemáticas, esculturas talladas en piedra y hueso apareció mucho antes de que se formara una idea consciente de creación artística. La conciencia de una persona de sí misma como persona y un llamamiento a la creación artística fue el evento más grande, sin paralelo en la historia de la humanidad en las posibilidades que se le presentaron. Mucho antes de la llegada de la escritura, nuestros antepasados encontraron la oportunidad de contarnos mucho sobre su forma de vida, sobre el clima y la fauna, sobre su armoniosa conexión con la naturaleza.
En todas las épocas, el hombre ha sido y sigue siendo el tema principal de Bellas Artes... Pero, sin duda, el arte antiguo se convirtió en un himno al hombre, a su belleza espiritual y física. En las imágenes de los dioses olímpicos y los héroes mitológicos, los helenos glorificaron al hombre perfecto, en quien la belleza física de un cuerpo atlético se combina con la nobleza espiritual y la pureza moral. Nadie ha podido alcanzar tanta perfección al representar una figura humana como los griegos. Las imágenes de sus diosas, dotadas de una belleza sobrenatural, dioses esbeltos y musculosos, con toda su idealidad, son vitales y naturales.
El deseo de representar la figura humana en proporciones ideales continuó en el arte del Renacimiento. Con toda su obra, Miguel Ángel afirmó la idea de la grandeza del hombre y la belleza de la figura humana y lo transmitió hábilmente en las estatuas de David y Moisés. Todos los maestros destacados conocían a la perfección la estructura del cuerpo humano, y cabe señalar que de todo lo que dibuja el artista, el más complejo es la figura humana. La mayoría de las obras de arte representan a una persona. Además, a menudo es el principal elemento compositivo de una pintura, por lo que un artista no puede ser un maestro en su oficio si no aprende a dibujar personas de la naturaleza y sin ella. El principio de dibujar una figura humana no es diferente de trabajar en otro modelo, es decir, primero debe determinar los puntos más altos y más bajos de la forma para que el modelo se ajuste a la hoja de papel. A continuación, debe colocar correctamente la figura, determinando su posición en relación con el plano horizontal en el que se encuentra el modelo y su posición en el espacio en relación con la vertical. Para hacer esto, debe determinar la posición de la línea axial central, que corre a lo largo de la columna y determina la posición del torso. Muy a menudo, en los dibujos de artistas novatos, una figura de pie da la impresión de caer. Esto sucede porque la perpendicular, bajada desde el centro de gravedad del cuerpo, está fuera de los escalones de sus piernas. Si la figura está de pie, sin apoyarse en nada, entonces esta perpendicular debe pasar dentro de los pies o entre ellos. Solo bajo esta condición la figura de pie dará la impresión de estabilidad.
Los artistas novatos también suelen cometer errores en proporciones básicas: o la cabeza es demasiado grande o pequeña en relación con el cuerpo, luego piernas cortas, o brazos o cuello largos, como una "jirafa", un cuerpo como un "elefante", etc. Para facilitar la construcción de una figura humana, los artistas determinaron las proporciones básicas (canon), tomando alguna parte del cuerpo, por ejemplo, la cabeza, como unidad de medida. En una persona alta, la parte inferior del cuerpo (desde el pubis hasta el pie) suele ser igual a la parte superior (desde la coronilla hasta el pubis); en personas de media y baja estatura la parte superior de la figura es un poco más grande que la inferior, ya que la altura de las personas cambia principalmente por la longitud de las piernas; tamaño de la cabeza Gente alta depositado a lo largo de la longitud del cuerpo 8 veces, en personas de altura promedio, 7.5 veces, y en personas de baja estatura, 7 veces; en una persona de pie, las manos bajas con los dedos extendidos alcanzan la mitad del muslo; si una persona de pie extiende los brazos hacia los lados, la distancia entre las puntas de los dedos de la mano derecha e izquierda será igual a su altura. Las proporciones especificadas no son una fórmula exacta que el pintor deba utilizar independientemente del modelo. Cada persona, como cualquier creación de la naturaleza, es individual, única e inimitable, puedes entender y ver esto solo siendo observador.
IV. Trabajo practico.
Ejercicio.
Usando los esquemas de dibujo sugeridos, debe completar una serie de bocetos de la vida. En su trabajo, puede utilizar lápices de diferente dureza.
En tiempo de ejecución trabajo practico el maestro realiza caminatas específicas:
1) Control de la organización del lugar de trabajo;
2) Control sobre la corrección de las técnicas de dibujo;
3) Brindar asistencia a los estudiantes con dificultades;
V. Resumen de la lección.
1. Exposición de trabajos de estudiantes.
Esquema1 Esquema2
- Imagen de una figura humana
- en la historia del arte
- En el marco de esta forma de arte, las imágenes de una persona son especialmente raras. De vez en cuando puede ver imágenes humanas, menos realistas que las imágenes de animales, en tallas o en forma de figurillas, y muy raramente en dibujos. Tanto hombres como figuras femeninas representado desnudo. En este último, en algunos casos, las decoraciones son visibles. Si los rasgos faciales (ojos, boca) están claramente trazados en figuras masculinas, entonces en figuras femeninas esto es mucho menos común: solo en la cabeza de Venus de Brassempuis (Grotto de Pape, Francia) se dibujan la nariz y las cejas.
- Las imágenes femeninas de esta época representan un cierto grupo de las llamadas "Venus", aunque su anatomía está lejos de los estándares de armonía. Sus imágenes talladas o esculpidas se caracterizan por grandes senos y glúteos, lo que hace que la cabeza, los brazos y las piernas parezcan pequeños y delgados en comparación.
- "Venus de Willendorf" (Viena, Museo de Historia Natural). "Venus-era del Paleolítico fueron llamados" gordos "(" vientres ") por las características morfológicas de sus glúteos. La fertilidad y simboliza la función reproductora de una mujer
- "Venus Losselskaya", también llamada la Dama del Cuerno ", un bajorrelieve sobre una roca caliza (tamaño - 42 cm), conservado en el Museo de Aquitania (Burdeos, Francia).
- Está representada en el plano frontal y de una manera típica de "Venus": con un resaltado volumétrico de la parte del cuerpo de la cadera. En su mano levantada hacia arriba y hacia un lado, la mujer sostiene un cuerno. Su cabeza está vuelta hacia el cuerno y su cabello cae en la dirección opuesta. La otra mano descansa sobre el estómago y se dirige hacia el pubis. La presencia de un cuerno confirma la idea de que esta "venus" es un símbolo de fertilidad. Los cuernos, cuyas imágenes fragmentarias indican la presencia de un animal, como garantía de una abundancia de alimentos, tienen aquí un significado específico. El cuerpo del cuerpo está claramente dibujado con una imagen clara de grandes alimentos caídos, un abdomen abultado y piernas reducidas al máximo, similar a algunas adiciones vagas.
- A pesar de la posición frontal del cuerpo, el perfil de la cabeza, desprovisto de rasgos faciales, un signo que indica la ausencia de una característica individual, le da a la figura una cierta apariencia de movimiento.
- La forma de la cabeza se ve mejor de perfil, que es como se muestra. Pero siempre vemos mentalmente el ojo de frente. En consecuencia, el perfil de la cara se complementa con la imagen del ojo de frente. La parte superior del cuerpo, los hombros y el pecho se perciben mejor desde la posición frontal, ya que así es como se ven las articulaciones de los brazos y el cuerpo. Pero las manos y los pies están bien delineados solo cuando se ven de lado. Todo esto explica por qué las figuras de las personas en el arte egipcio se ven tan extrañamente planas y retorcidas. Además, era difícil para los artistas egipcios visualizar ambos pies desde la misma posición. Preferían un contorno claro, delineando el dedo gordo y el empeine. Así que ambos pies estaban representados en un lado interior, como si una persona, como en este relieve, tuviera dos piernas izquierdas. Esto no significa que los egipcios pensaran que los seres humanos tuvieran esta apariencia. Simplemente siguieron un método que permitió capturar todo lo que parecía significativo en la figura humana. Aparentemente, el rigor de las prescripciones formales está relacionado de alguna manera con las funciones mágicas de las imágenes. De lo contrario, ¿cómo podría una persona con una mano “cortada” o “cortada” aceptar y llevar regalos a los muertos?
- En escultura, todas las figuras sentadas tienen las manos en las rodillas; Los cuerpos masculinos se tiñeron más oscuros que los cuerpos femeninos.
- Los artistas del antiguo Egipto representaron personas según los cánones.
- CANON: un conjunto de reglas y leyes que deberían tener
- ser guiado por el artista al construir un dibujo, -
- regulado en el antiguo Egipto una especie de criterio de belleza
- El arte antiguo de Grecia y Roma muestra la belleza de una persona físicamente perfecta. La imagen de un joven atleta encarna los rasgos de una persona hermosa y armoniosamente desarrollada, en quien la belleza de un cuerpo entrenado físicamente se combina con la pureza moral y la nobleza espiritual. Con un enérgico y poderoso movimiento de su hombro izquierdo hacia adelante, se preparó para el lanzamiento de disco. Al mismo tiempo, experimenta un tremendo estrés físico, pero exteriormente permanece calmado y comedido. Parece que al escultor le interesa no tanto el esfuerzo físico del deportista como su decidida concentración y fortaleza mental.
- La estatua de Octavio Augusto fue realizada por un escultor romano en el 27 a. C.
- El tonto y enfermizo primer emperador romano, Octavio, es retratado como un atlético, "hombre divino". El escultor logró plasmar el peculiar tipo de rostro y el característico peinado del emperador, enfatizar su determinación y determinación.
- El "David" de Miguel Ángel es un joven majestuoso y hermoso, lleno de valor, determinación y nobleza ilimitados. Está tranquilo, pero se puede sentir su disposición a hacer todo lo posible para luchar contra el mal, por la victoria de la justicia. Este es un verdadero monumento a una personalidad heroica, a una persona que es espiritual y físicamente perfecta. Miguel Ángel esculpe su escultura en mármol. Un gran bloque de piedra tenía defectos, tenía grietas y nadie creía que se pudiera hacer algo a partir de la masa. Pero el artista se puso manos a la obra, pensó detenidamente la futura imagen plástica y fue capaz de "extraer" del monolito de mármol una gran imagen que no se desvanecía.
- Se está produciendo una catástrofe mundial ante nuestros ojos. Las personas son capturadas por las noticias angelicales de la llegada del Juicio Final en medio de sus actividades diarias. Pero la Providencia es inexorable: por la derecha, los pecadores son arrojados al infierno por una avalancha, los ángeles los empujan, los demonios los arrastran con ellos. A la izquierda, los justos ascienden al paraíso. El Jesús musculoso es despiadado e inflexible en su ira, que se parece más al antiguo dios del trueno, encarnando la retribución. Solo la Madre de Dios se inclinó tristemente, simpatizando con el sufrimiento de las personas, pero sin tener derecho a ayudarlas.
- San Bartolomé está sentado en una piedra junto al manantial. Sus ojos brillan con una fiera amenaza. En su mano, el santo sostiene su propia piel, que una vez le fue arrebatada por los oponentes del cristianismo. En esta piel, Miguel Ángel representó su rostro, distorsionado por un sufrimiento increíble. El artista enfatiza que él mismo, aquí y ahora, sufre nada menos que los pecadores en el Juicio Final. La belleza de Miguel Ángel está impregnada de sufrimiento y compasión.
- Escrita en los primeros años del siglo XVI, "Judith" afirma el ideal del Alto Renacimiento, que encontró expresión en la pintura a través de la emancipación interior de la composición, la regularidad de las formas pictóricas, la belleza y el refinamiento de la imagen femenina. , la melodía de combinaciones lineales y coloridas.
- “Ella es hermosa e inusual - Judith Giorgione, escribe el crítico de arte A. Varshavsky. _ La bella Judith se ofreció voluntaria para liberar a su ciudad natal del formidable peligro que se cernía sobre ella. Con la cabeza del líder de las tropas enemigas, Holofernes, regresa a la casa de su padre. Los enemigos temblaron cuando la cabeza de Holofernes quede expuesta en la muralla de la ciudad, y siempre elogiarán la hazaña de una hermosa viuda joven, su autosacrificio, su destreza exitosa, conciudadanos, aquellos a quienes salvó de un yugo extranjero, tal vez. desde la muerte.
- ... Se acabo. Todo ha pasado ya. Y mira pensativo la cabeza cortada de la comandante enemiga Judith ".
- Esta imagen espiritualizada lo contiene todo: ternura y dignidad, mansedumbre y pesar, fuerza interior y encanto.
- El telón entreabierto nos revela la figura sencilla y a la vez majestuosa de una mujer con un bebé en brazos. La mirada de la madre está fija en el espectador y al mismo tiempo en la distancia, viendo sus futuros sufrimientos y la hazaña del Hijo de Dios, la Reina del Cielo se llena de la conciencia de un gran y doloroso destino: trae a su Hijo a personas como sacrificio expiatorio. Jesús en sus brazos no es solo un niño poco inteligente, es un niño serio, en cuyos ojos también se puede leer una premonición de su propio destino. Madonna camina a través de las nubes, pero sus pies descalzos se ven conmovedores e indefensos incluso en esta suave cubierta celestial. Idealidad y humanidad, equilibrio de composición y sentido de movimiento, simplicidad y sublimidad: todos estos interactúan y se enriquecen mutuamente.
- Grandes figuras de una madre y un bebé se muestran en el espacio convencional de la celda, amenizadas solo por un punto frío del cielo verdoso en la ventana. Los rostros de la madre, María todavía muy joven, y el pequeño Jesús están iluminados con un resplandor dorado. El rostro de Madonna es cariñoso, juguetón, le tiende una flor a su Hijo y admira cómo la estudia con una expresión seria y no infantil, flores blancas sobre un tallo verde oscuro sirven como elemento de conexión entre la madre y el bebé. Mirando de cerca, vemos en las flores de cuatro pétalos el motivo de la cruz: la futura crucifixión.
- El equilibrio de la composición, dos grandes figuras entre dos ventanas, crea una sensación de paz gozosa a largo plazo. Una luz clara y fría esculpió la frente limpia de Madonna, su media sonrisa suave y ligeramente triste y sus ojos, dirigidos hacia el Hijo. El cabello rizado de color dorado rojizo de Jesús está pintado con asombroso realismo, vivacidad y calidez. La mirada del niño divino se dirige al espectador con tristeza y perspicacia infantiles.
- Sí, el hombre es el tema principal del arte.
- En todas las épocas históricas ha habido
- entendiendo la belleza a su manera,
- pero esta diversidad tiene algo en común….